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Le pôle emploi m'a demandé de signaler mes congés. 35 jours par an, tout chômeur est en droit de prendre des vacances. C'est en patientant dans l'entrée glauque du bâtiment niché dans une impasse tout aussi lugubre que j'ai eu accès à cette information. Demain matin je pars en Corse, pour une durée de deux semaines, et puisque le pôle emploi me laisse partir sans chigner, j'espère également que les fidèles lecteurs du Pitch ne me tiendront pas rigueur de cette absence... Quoi qu'il en soit, quiconque me suit, et forcément m'aime (!), saura désormais le pourquoi de mon silence prolongé. J'espère également que je serai le bienvenu là-bas, même si l'image des Corses, déjà bien entamée, vient sérieusement d'en prendre un coup via le film de Jacques Audiard, Un prophète. 2h30 au coeur d'une prison française où le clan corse, notamment, fait sa loi... Dans ce film on ne peut plus réaliste, le temps m'a semblé long, très long. Depuis les séries Oz et Prison Break, on avait pu comprendre que l'expérience carcérale n'était pas tout à fait une partie de plaisir. Chez Audiard, la prison est toujours aussi atroce mais elle passe en même temps pour un lieu d'apprentissage où, tant qu'à faire sa peine, il faut tenter de "sortir moins con qu'on est rentré", dixit un des personnages. L'idée pourrait plaire à Nicolas Sarkozy, bien qu'il aurait du mal à louer le parcours fort illicite du personnage principal, qui, grâce à son intelligence, son opportunisme et sa dureté, va pouvoir survivre et échapper à son destin. J'y vois sans mal une métaphore du monde moderne, plutôt impitoyable, qui m'a rendu la projection d'Un Prophète désagréable, car dérangeante, et pas seulement à cause des Corses - au demeurant charmants, pour la plupart d'entre eux, dans la vraie vie ! Sur ce, bonne rentrée et à bientôt.

Réflexe de vieux sans doute, j'ai mis du temps avant de m'intéresser aux Arctic Monkeys, ce groupe de jeunes rockeurs anglais au son régressif et sans saveur. Puis il y a eu la fameuse parenthèse menée par le chanteur Alex Turner et Miles Kane des Rascals connue sous le sobriquet des Last Shadow Puppets. The Age of the Understatement et surtout le single My Mistakes Were Made For You ont balayé mes résistances. Soudain j'ai entendu la voix, les violons, les guitares de western et la mélancolie qui en découle, et j'ai succombé au charme du tout. Aujourd'hui les Arctic Monkeys ont grandi (un peu, le chanteur n'a pas plus de 23 ans...) et sont de retour avec Humbug, leur troisième album déjà. Que dire de ce nouveau disque coproduit par le leader des Queens of the Stone Age, pas exactement de la musique de salon de thé, et James Ford (moitié de Simian Mobile Disco, dont j'ai parlé cette semaine) si ce n'est qu'il sonne comme un bon compromis entre l'énergie brute, post-adolescente et terre à terre propre au groupe et sa séduction naturelle qui fait plier les coeurs sensibles. J'ai donc, on ne se refait pas, mes préférences pour les morceaux les plus lyriques, bien que Humbug parvienne, dans son ensemble, à réconcilier force et délicatesse, ou même virilité et féminité, ce qui n'est pas rien.



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Pour être honnête, je ne m'attendais pas à des sommets, entre la bande-annonce un peu bourrine et l'absence de palmarès à Cannes - à l'exception du prix d'interprétation pour le comédien Christoph Waltz. Honte à moi. L'amnésique que je suis avait déjà oublié que Quentin Tarantino, en expert du trompe-l'oeil, était génial et ses films, tous et sans exception, prodigieux. Je ne sais pas si cette année à Cannes il y eut mieux qu'Inglourious Basterds. Ce que je puis affirmer sans ciller, c'est qu'il s'agit d'une oeuvre majeure, à la mise en scène digne des plus grands Hitchcock. Un peu comme ce maître, Tarantino parvient à réconcilier le grand public et un cinéma exigeant et ambitieux, tout en excellant dans le mélange des genres, entre angoisse, violence (parfois insoutenable), reconstitution historique et comique pur. Dans la foulée des Kill Bill ou encore du dernier Boulevard de la mort, il ne recule devant aucun dialogue interminable, dans des longs plans-séquence au suspense intolérable. Qui d'autre que le cinéaste pour encore surprendre le spectateur dans un cinéma d'action qui en a vu tant d'autres avant lui ? Les joutes verbales sont dignes des meilleurs préliminaires : c'est une tension quasi sexuelle qui est en jeu, un jeu sado-masochiste où la peur et l'émotion emportent les dernières résistances. Les assauts physiques, quant à eux, sont aussi prompts que spectaculaires, mis à part l'éclat final. Ce qui prévaut, c'est moins la violence, rapide et tranchante, que la mise en condition, le long et sinueux chemin pour y parvenir. On a beaucoup parlé de la polémique autour des libertés qu'a prises Tarantino avec l'Histoire. Ceux qui le lui reprochent n'ont sans doute rien compris à la création et à la vie en général. A mon sens il n'y a pas plus libérateur que ce film qui à la fois donne un visage réaliste et humain à l'histoire de la 2de Guerre (dans la première scène notamment) tout en s'affranchissant du poids du passé. Il n'est pas question de l'arranger ni de le trahir mais au contraire de s'en extraire, grâce au recul de la fiction, pour mieux l'affronter. Il y aurait tant à dire sur Inglourious Basterds, ses acteurs prodigieux, les musiques d'Ennio Morricone empruntées à d'anciens films, et puis sur ce grand manipulateur de Tarantino qui manie la pellicule comme personne. Gloire donc à ce basterd unique en son genre.

Certains disques vous résistent, retiennent leur charme avant de le libérer précipitamment, comme une évidence, après plusieurs écoutes. D'autres s'offrent à vous dès le premier contact, on les reconnaît et on les adopte dans l'instant. Je ne sais pas si c'est une question de facilité, qui rangerait les premiers dans les oeuvres complexes et dignes et les seconds au rayon soupe populaire, vite ingérés et aussitôt approuvés. N'ayant aucun snobisme en la matière, je parlerais plutôt de familiarité avec certains morceaux plutôt qu'avec d'autres. L'album de Simian Mobile Disco, Temporary Pleasures, échappe quant à lui à toute logique. Ses deux membres, anglais, se sont d'abord fait connaître au début de la décennie sous le nom de Simian, un groupe de pop-rock électronique, avant de produire les albums des Klaxons ou encore des Arctic Monkeys, deux groupes parmi les plus emblématiques de ces dernières années. Un premier album, sous leur nouveau patronyme, les a élevés en honnêtes rivaux des Chemical Brothers et le deuxième, paru cet été, joue la carte du profil bas, sur un mode mineur et discret, comme s'ils préféraient s'effacer au profit des nombreux et prestigieux invités reçus à bord, parmi lesquels Beth Ditto de Gossip ou encore Alexis Taylor de Hot Chip. Seul le single Audacity of Huge, qui porte bien son nom, affiche son aplomb et son efficacité dancefloor, quand les autres brouillent les pistes et se dévoilent sur la longueur. Peu de tubes en puissance donc car le charme est minimaliste, plus feutré qu'exubérant. Surtout il rappelle en partie celui d'un autre duo électronique anglais, Swayzac, que je m'empresse depuis de réécouter.





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La fin du monde vue par des Français (les frères Larrieu, à la réalisation), ça change, forcément, des blockbusters américains. Dès les premières images des Derniers Jours du monde, on sait que l'apocalypse aura un goût, un parfum différent. Il tombe des pluies de cendres sur Biarritz, la lumière est belle et inquiétante, et les personnages ont des comportements étranges. Pas besoin d'être Einstein pour comprendre le propos du film, par ailleurs très bien condensé dans la bande-annonce, et que je résumerai ainsi : quand la fin est proche, que l'existence est débarrassée de sens et des questions métaphysiques qui vont avec, l'être humain se tourne vers l'essentiel. En l'occurrence, les gens se parlent, se quittent et, surtout, baisent comme des fous. Quoi de plus humain en effet que d'envisager le sexe avant que l'ombre ne vienne... Les frères Larrieu, sur la base de ce constat, ont décidé de dénuder les corps de leurs acteurs, à l'exception de Catherine Frot, trop pudique sans doute. Pour le reste, ça fornique et ça fourrage à foison, et je garderai longtemps en mémoire la scène "choc" du film où Karin Viard dit impassiblement son texte à califourchon sur la tête de Mathieu Amalric. Quelle actrice, décidément. Mais malgré son talent et sa bonne volonté, je n'ai pas pu m'empêcher d'y voir une provocation un peu gratuite, à l'image d'autres scènes de ce film qui se veut subversif mais reste trop démonstratif dans ses intentions. La mise en scène autour du sexe, un vrai sujet en soi, devient conventionnelle à force de vouloir choquer le spectateur. Idem pour les cadavres qui défilent les uns après les autres, afin de créer un climat de stupeur et d'angoisse lié à l'apocalypse. Cette surcharge a tendance à plomber le reste du film qui pourtant connaît de belles envolées, notamment au début et à sa toute fin. Entre les deux, beaucoup trop de facilités, de lenteurs et de lourdeurs pour me convaincre tout à fait.

A ma grande joie, il m'a pris par surprise. Je parle du dernier Calvin Harris, bien sûr. Celui que je n'attendais plus revient avec l'euphorisant Ready For The Weekend, l'album de jouvence qui fait replonger en pré-adolescence les trentenaires mal dégrossis à la dance commerciale des années 1990 (Snap, Cappella...), quand les voix gospel faisaient trembler les boules disco et affolaient les fins de semaine tant guettées. En fin recycleur, Calvin fait son marché (cultivé) dans plusieurs décennies de house, tout en apportant sa petite touche personnelle, sons distordus, rythmes digitaux et voix de crooner. Par moments, moins inspirés (sur You Used To Hold Me ou Relax), la lourdeur des synthés rappelle les bruits de moteur d'un Benny Benassi, loin de la légèreté et de l'habileté de l'ensemble. Pour le reste, le hit Ready For The Weekend me fait oublier que je n'ai plus quatorze ans et me fait bondir à chaque écoute, Flashback et ses nappes aériennes ranime les esprits du groupe Underworld. Par ailleurs cet hommage à la vie ne serait pas complet sans la mélancolie post-festive qui balaye une grande partie du disque, notamment dans les textes un brin désabusés où Calvin le malaimé cultive l'art de la formule et du contraste. Le Sexe-symbole / amuseur public / artiste torturé passe avec succès l'épreuve du deuxième album : il n'est plus le dernier phénomène à la mode, celui qu'on affiche sur son Facebook pour prouver qu'on est "hype", et c'est tant mieux. Souhaitons maintenant qu'il dure le plus longtemps possible.



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Je n'y tiens plus. Le Londonien connu depuis déjà deux ans dans son pays sous le sobriquet de Frankmusik vient enfin de sortir son premier album, le bien nommé Complete Me, qui réunit les titres qui l'ont lancé plus des tas de nouveautés. Et nous, pauvres Français, devons nous contenter de suivre le jeune Vincent Frank (rien à voir avec Francky Vincent) sur YouTube, ce qui est certes mieux que rien du tout. Si l'Angleterre reste pour l'instant le seul pays distributeur du beau Frank, ce n'est pas un total hasard. D'abord, il est anglais. Ensuite, il est officiellement avec La Roux le meilleur recycleur des pas tout à fait défuntes années 80, grâce à des chansons dansantes et synthétiques à souhait, dont les British se délectent en particulier. Et comme je ne supporte pas la voix de La Roux, monotone et stridente, Frankmusik est à mes yeux l'unique représentant valable de ce courant qui n'en finit pas de produire des émules. Par ailleurs, Frankmusik possède l'enthousiasme, la fraîcheur et la puissance vocale d'un Mika, à la différence près que l'euphorie de Mika me tape sur les nerfs. Pas celle de mon artiste du jour, qui malgré ses prouesses techniques n'en fait jamais des tonnes. Ai-je oublié de mentionner à quel point Vincent est sexy ? Ca m'étonne. J'aurais pu commencer par là, mais je précise tout de go, pour préserver ma crédibilité, que ses compositions brillent aussi par elles-mêmes, au-delà même de tout artifice. Récemment, il a ouvert les concerts des Pet Shop Boys, éclairés parrains, ou encore de Keane, avec qui Frankmusik partage une certaine naïveté et un côté fleur bleue fièrement assumé. Autant dire dire que, en toute franchise, j'adore !

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Il n'est pas toujours simple de parler d'une oeuvre sans en dire trop. Quoi de plus agaçant qu'une bande-annonce fleuve ou encore une critique qui vous dévoile presque tout d'un film, sans tenir compte de son futur spectateur et tout en s'adressant à lui. The Reader, adapté du livre de Bernhard Schlink, n'est pourtant pas habité par un suspense insurmontable. Le thème est lourd - le jugement en Allemagne de l'Ouest de crimes nazis, longtemps après leur perpétration. Il se superpose, plus ou moins grossièrement, à l'autre vrai sujet du film, la lecture, celle que fait l'adolescent Michael Berg à son amante Hanna Schmitz, de vingt ans son aînée. La petite histoire, romance torride et éphémère, va rencontrer la grande, celle que l'on connaît, à plusieurs années d'écart. Voilà pour le pitch. Le réalisateur de Billy Elliot et de The Hours, dont on connaît le goût pour un certain pathos, a pris plus d'un risque avec cette adaptation. Avec un style que certains qualifieraient de pompier, il assume les larmes, celles qui ravagent les visages des acteurs principaux, tous exceptionnels. Or ces larmes ne sont ni banales, ni complaisantes. C'est une émotion paradoxale, qui n'a rien de facile. Au contraire, tout en ébranlant les âmes un peu sensibles, elle questionne et fait débat. Comme le confirme une des dernières scènes du film, celle où une survivante des camps rencontre le Michael Berg adulte, il ne s'agit moins de pardonner que de comprendre, même tacitement. Plutôt que de stigmatiser, The Reader soutient le regard et balaye toute pudeur, y compris dans les scènes érotiques du début. A ce titre, Hanna Schmitz reste un des personnages les plus énigmatiques et forts que j'aie pu voir au cinéma dernièrement. Dans la foulée des Noces rebelles, où elle tenait tête à Leonardo Di Caprio, Kate Winslet sait faire vibrer la corde névrotique tapie en chaque être humain, tout en préservant son mystère. C'est aussi la force de The Reader qui, malgré ses lourdeurs quasi inévitables, dérange sans donner de leçons d'histoire(s).

Le shoegazing, ce courant des années 1990 que je qualifierais de bruit feutré, a longtemps eu ma préférence. Son groupe le plus emblématique n'est autre que My Bloody Valentine et on retrouve encore son influence chez de nombreux groupes actuels : M83, Friendly Fires dont j'ai déjà parlé, ou encore The Radio Dept. Ce dernier est suédois et ses trois membres se sont formés en 1995. Depuis, ils ont sorti quantité de Ep's et deux albums devenus cultes chez les amateurs de musique atmosphérique à forte propension mélancolique. The Radio Dept ne se contente pas seulement d'effets et d'ambiance qui pourraient se suffire à eux-mêmes (c'est d'ailleurs le cas pour une partie de son œuvre), il se distingue aussi par la richesse mélodique propre à la pop suédoise. Sofia Coppola a consacré le groupe en le faisant figurer sur la bande-son de Marie-Antoinette mais, depuis, les fans doivent se contenter de petits maxis, exquis comme des macarons, qui mettent en bouche en attendant une prochaine actualité plus consistante. Le dernier, David et sa pochette homo-érotique, date de juin dernier. Le style n'a pas changé : la voix est en retrait, le minimalisme est de mise, un voile onirique enveloppe l'ensemble. Il ne m'en faut pas plus pour m'adonner à mon loisir préféré : le rêve éveillé.

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